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概要
ポップアート（Pop Art）は、1950年代後半のロンドンと1960年代前半のニューヨークで並行して興った美術運動。大衆消費文化のイメージを芸術として肯定する姿勢で、抽象表現主義の内省的深刻さに対抗した。
語源は1956年、ロンドンのインディペンデント・グループのローレンス・アロウェイが用いた「pop」に遡る。
様式・技法
イギリス側の幕開けは、リチャード・ハミルトン『一体何が今日の家庭をこれほど素敵で魅力的なものにしているのか』（1956）のコラージュ。すでに家庭、広告、ボディビル、テレビ、漫画、映画ポスターのすべてが出揃っていた。
アメリカ側では、アンディ・ウォーホル（キャンベルのスープ缶、マリリン・モンロー）、ロイ・リキテンスタイン（漫画の拡大コマとベン・デイ・ドット）、クレス・オルデンバーグ（巨大化した日用品の彫刻）、ジェームズ・ローゼンクイスト（広告画出身の画家）、トム・ウェッセルマン（主婦像）らが活動した。
技法的にはシルクスクリーン、写真製版、大量複製技法が積極的に採用され、「オリジナル一点」という近代美術の神話を解体した。
背景・意義
戦後アメリカは世界最大の消費社会となり、テレビ、冷蔵庫、自動車、スーパーマーケットが日常を変えた。抽象表現主義のエリート的な深刻さが、この新しい日常と齟齬をきたしていた。ポップはそのギャップを埋め、芸術を大衆文化に開いた。
ハイアートとローアートの境界解体は、現代美術のその後の全展開（シミュレーショニズム、ネオポップ、村上隆のスーパーフラット）の前提となった。広告・ファッション・グラフィックデザインとの相互浸透が始まり、芸術と産業の境界も流動化した。
現代への示唆
大衆文化のリサイクル
日常の視覚言語を芸術の素材とする戦略は、ミーム・ユーザー生成コンテンツの企業活用の原型である。既存の視覚資産を組み替えることで新しい意味が生まれる。
複製を前提とした価値
シルクスクリーンの同一図像連作は、NFT・限定版プロダクト・コレクティブルの哲学的先駆である。オリジナル一点ではなく、限定的な複製群が市場を作る。
ブランドのアイコン化
キャンベルスープ缶、コカ・コーラ瓶、マリリン・モンロー——企業ブランドやセレブリティがアートの主題になったことは、ブランド自体が文化的象徴となりうることを示した。
深刻さからの解放
ポップは「軽さ」を積極的価値とした。ブランドコミュニケーションにおいて、常に真剣で深刻である必要はなく、遊びと皮肉が時に最強の表現戦略となる。
関連する概念
- アンディ・ウォーホル
- リキテンスタイン
- リチャード・ハミルトン
- スーパーフラット
- 大量複製
参考
- 高島直之『ポップアートとその時代』新潮社
- 『ポップ・アート展』図録、国立新美術館