歌舞伎 | Growth Arts

概要

歌舞伎（Kabuki）は、1603年、出雲大社の巫女阿国による「かぶき踊り」を起源とする、日本の総合舞台芸術である。江戸時代を通じて発展し、江戸町人文化の中心娯楽となった。

2008年、ユネスコ無形文化遺産に登録。能と並ぶ日本の二大古典演劇である。

歌舞伎の発展は政治的規制と密接に結びついている。

当初は女性による女歌舞伎だったが、風紀紊乱を理由に1629年禁止。続く若衆歌舞伎も同様の理由で1652年禁止。以降、成人男性のみによる野郎歌舞伎となり、女方という役柄（男性が女性を演じる）が確立した。

演技様式には、荒事（豪快・超人的な演技。市川團十郎家の伝統、『暫』『助六』）と和事（優美で柔らかい演技。上方で坂田藤十郎が確立、『心中天網島』）がある。

演出装置には、隈取（顔の化粧による性格の可視化）、見得（決めポーズ）、花道（客席を横切る舞台）、廻り舞台、宙乗りなど、観客を巻き込む仕掛けが豊富である。

脚本では、元禄期の近松門左衛門（『曽根崎心中』『国性爺合戦』）、幕末の河竹黙阿弥（『白浪五人男』）が代表的。

歌舞伎は幕府の統制と庶民の熱狂の間で発達した。劇場は悪所として警戒されたが、町人の最大娯楽として繁栄した。浮世絵の役者絵、瓦版、番付——メディア・ミックスの原型が江戸ですでに成立していた。

明治期に近代化の圧力下で一時衰退しかけたが、九代目團十郎、五代目菊五郎らの演技革新、大正期の二代目左團次の活動、戦後の十七代目勘三郎らによって、伝統と革新の綱渡りを続けてきた。

女方の誕生は、規制という制約から生まれた独自様式である。規制や制約は創造性の敵ではなく、形を鋭くする触媒となりうる。

市川、尾上、中村、坂東など、屋号による家系的継承は、ブランド・技能・観客関係を世代にわたって維持する仕組みである。老舗企業の継承戦略のモデルとして参照しうる。

見得で客席から掛け声（大向こう）、花道での近距離体験、劇場内外での関連商品——観客を参加させる総合体験は、現代のライブエンタメ・IPビジネスの原型である。

型を守りつつ、日々の演技で微細な更新が行われる。伝統と即興のバランスは、レガシーを持つ組織の革新のあり方そのものである。